约瑟夫·马洛德·威廉·透纳（JosephMallordWilliamTurner年4月23日－年12月19日）是英国最为著名，技艺最为精湛的艺术家之一，19世纪上半叶英国学院派画家的代表，在西方艺术史上无可置疑地位于最杰出的风景画家之列。
（1）人物简介
透纳的《透纳自画像》
威廉·透纳是英国画家及图形艺术家。尤以光亮、富有想象力的风景及海景而闻名。作为一个多产的艺术家，透纳创作了几千幅素描、雕版画、水彩画及油画。他对光线及色调的兴趣超过形体，这为日后印象派画风格的形成奠定了基础。
威廉·透纳与约翰·康斯特布尔并称为“真正使英国风景画摆脱荷兰、法国或意大利绘画影响而走上自己独立道路的两个人”。
他曾走遍意大利，最后才专心去描绘大海的光色和空气的变化。他悉心研究海上光的强度、云彩和风雨的活动，在色彩上，他培养了一种具有浪漫主义感情的特殊手法、创新色彩，这对后来英、法两国的印象主义运动有很大的促进作用。透纳自己曾说，描绘自然需要准确的观察力，他的绘画是他视觉经验的准确体现，而透纳的视觉经验正是他长期细致观察大自然的结果。
透纳以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世，尤其对水气弥漫的掌握有独到之处。他在艺术史上的特殊贡献是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。透纳生前即享有盛名，年去世后依然在世界各地受到敬仰和追摹直至十九世纪晚期。然而，对透纳所有艺术成就的认识则是更后来的事。透纳晚年尤其自十九世纪四十年代起即致力于绘画形式与色彩的探索，从他后期那些大胆的习作中可以找到印象主义和现代抽象绘画的发端。
（2）早年经历
透纳年的《16岁自画像》[右]
透纳于年4月23日生于科文加登（CoventGarden）的梅顿莱因（MaidenLane），父亲是个理发师。母亲死于精神错乱。（透纳于年12月9日卒与同地。）透纳10岁时已表现出绘画才能，被送到一个叔叔那里上学。在绘画上他是个早熟的孩子。透纳最初跟一个地貌色彩画家汤玛斯·马尔顿学水彩，在父亲理发店的橱窗中摆放和销售作品。
透纳很早就认识到要想成为一个出名的画家，英国皇家美术学院是一个很好的平台。年，十四岁的他进入皇家美术学院学画，第二年春天，即年的年展上，他首次展出了自己的水彩作品。不久，他父亲退休离开理发店，全力帮助他的儿子。年，透纳建立了自己的画室。他遇到了年轻艺术家通常会遭遇到的因难，他每个晚上都受雇于人，在其他人的画上用墨水涂抹它们的天空，每晚赚半个克朗赖以度日。在拿着如此微薄的薪水为这些最普通的出版物作画时，他从来不会因为觉得这项工作降低了自己的身份或者报酬太少而不好好去做。在透纳的作品中从来没出现过一件懒散、马虎的东西。透纳认为他的工作与自己很有关系，他在乎的不是只得到聊以为生的微薄报酬，而是能否提供高贵的艺术品，并从中学到东西。无论他接到的任务是大是小，是铅笔和墨汁创作作品还是颜料画，他都从不马虎。在他安排的时间和能力范围内，他总是尽其所能做到最好，他从不会将一幅没有进步或者没有画到最好的画交给买家。他所有的重要作品都是在对时间和价格的全然漠视前提下画成的，那些画，透纳应得的报酬理应比他实际得到的高上四五倍。
透纳26岁时，因他在艺术上的突出成就，被英国皇家美术学院破格接纳为最年轻的会员。
年，透纳创作了他人生中的第一幅油画《海上渔夫》(FishermenatSea)，三年后，他成为英国皇家艺术学院的杰出会员（extraordinarymemberoftheRoyalAcademy）。
（3）艺术生涯
早期（~年）
透纳年的第一幅油画《海上渔夫》
透纳考入英国皇家艺术学院后，学院的课程对于绘画技巧的提高没有多大用处（学院并不教授具体的“技艺”，即如何在纸上或画布上运用颜色）。在这方面，他似乎从乔舒亚·雷诺兹爵士（SirJoshuaReynolds，~）那里获得了更多的教益。雷诺兹是第一任院长，他鼓励学生观摩前辈艺术家的作品，分析他们的绘画技巧，学习他们的画面意象。凭着勤奋和持之以恒，透纳很快取得了令同辈瞩目的进步。年，爱德华·戴斯（EdwardDayes，~）就以透纳为例，称“勤奋加自制，没有老师也能突飞猛进”。[10]几年后，透纳也意识到他成长中的特色之处，他在日记中坦言：“仅仅有天分是不够的，必须刻苦勤奋，多加实践。年轻人要是做不到这一点，趁早换个职业。”[11]对于透纳来说，仅靠灵光一现显然不切实际，他主张刻苦练习并坚持不懈。许久以后，当被问及成功的秘诀时，他说：“秘诀只有一个，勤奋再勤奋。”
还在学院的时候，透纳就开始向每年的春季展览呈送作品。该展览是伦敦艺术界最重要的舞台，画家能借此扬名，获得资助。他从年开始向展览呈送画艺精湛的水彩画，可他很快就意识到，要想获得他所期盼的那种成功，还得精通油画。于是，年，他展出了自己的第一幅油画。然而，最能显示他雄心的，是同年他在另一展览中展出的作品，一幅威思敏思特教堂（WestminsterAbbey）内景的水彩画。[10][13]该教堂还是最重要的国家陵园。透纳在画面前景的墓碑上赫然刻上了自己的姓名及出生日期，暗示自己将来也会在这里有一席之地。事实证明，这份大胆自信并非虚妄，他的确功成名就，只是猜错了地点：他最终安息在圣保罗大教堂（StPaul’sCathedral）的墓地，与其他艺术家和民族英雄安葬在一起，其中就有霍雷肖·纳尔逊将*（AdmiralNelson）。
透纳年的油画《惠桥的泰晤士河》
立志留名皇家美术学院（RoyalAcademy）的透纳，连续数年吸取风景画及海洋画的既有风格。在年之前，这类题材的绘画在学界的档次要比历史题材低很多，但透纳总是乐于打破严格的门类界定，他把含意丰富的叙事引入风景画中，赋予风景画独特的气氛和戏剧性效果，发展了自成一派的历史风景绘画。接着，他在J.R.科森斯（JohnRobertCozens，~）、R.韦斯托（RichardWestall，~）等同时代画家的水彩画成就基础上，使用了对比强烈的色调，运用了一系列大胆新颖的技法及大幅尺寸，挑战水彩画不如油画有表现力的观点。这种全线进攻，加上对J.法林顿（JosephFarington，~）等权威评论家的挑战，使透纳成为年轻一代中一颗耀眼的新星。年末，他被选为皇家美术学院的准会员；年初成为正式会员，成为获此殊荣的最年轻的艺术家。他在皇家美术学院取得如此杰出的成就，自然引得许多爱好艺术的贵族前来委托他作画，他也就获得了出入上流社会的入场券，并由此接触到了英国最好的艺术藏品，因为英国在年之前没有国家美术馆，藏品均在私人手中。[10]
透纳年的油画《温莎的泰晤士河》
透纳展出的作品表现出了强烈的视觉效果，尽管与当时英国的前卫艺术（抛弃了来自于法国的光滑的画面风格）异曲同工，但在19世纪初的几年里，保守的声音开始指责他的风格对他所绘的景象没有什么提高。有批评家在年的《箭猪》（Porcupine）上撰文，指责其风格模糊不清，是在“掩饰其轻率”，此后对透纳展出作品的评价也主要以此类诋毁为主。同样重要的是同行们私下对他的非议，很多人都认为他的画法缺乏完整性。例如，约翰·霍普纳（JohnHoppner，~）看了透纳根据年首次欧陆之旅所作的作品，对这些作品的粗糙和缺乏润饰很是惊讶，“要猜想的东西太多了，那感觉就像在盯着燃烧的煤火或一堵旧墙，毫无定形，难以揣摩”。其他如康斯泰勃尔（Constable）、J.诺斯科特（JamesNorthcote，~）等，则认为透纳的作品“越来越浮夸，离自然越来越远”。
透纳似乎很在意这些评论，因为在年代中期，他着手掀起了一场在泰晤士河沿岸进行户外自然光中（pleinair）作画的运动，直接感受大自然的原貌，重新思考如何在画中再现这一原貌。当时，英国很多青年艺术家都在尝试户外写生。他们认识到，早前的风景画家，如法国的克洛德·洛兰（ClaudeLorrain，约/5~）和尼古拉斯·普桑（NicholasPoussin，~）都是先在罗马乡间写生，再带着这些习作“片段”，回到画室中进行再创作。透纳认为，洛兰的作品远胜于其法国同胞普桑的作品，是风景画的典范，也许就是风景画的精髓。洛兰作品构图优雅，尽管看来有些刻板，却再现了古典社会的和谐图景，场景与叙事有机地结合在一起，密不可分。年代，透纳第一次见到洛兰的作品，深受震撼，洛兰对光线的微妙把握令透纳折服，其坦言“无法模仿”。
透纳年的油画《里奇蒙山和桥》
不过，透纳并没有因此气馁，而是毫不讳言地要超越他的榜样，这成了他历史题材绘画的中心任务。洛兰被鉴赏家们视为声望最高的风景画家，大量作品成为英国藏家的藏品，这无疑影响了透纳的奋斗目标。虽然透纳明显在迎合英国藏家的口味和钱袋，却并不满足于仅仅模仿洛兰的作品，而是加入了显著的英国主题，将想象与现实有机地结合到一起。在他年后创作的以泰晤士河速写为素材的绘画中，能看出他在用洛兰式的视角来审视本土风光。在《惠桥的泰晤士河》（TheThamesatWeybridge，约年，PetworthHouse）、《温莎的泰晤士河》（TheThamesnearWindsor，约年，PetworthHouse）及《里奇蒙山和桥》（RichmondHillandBridge，年，Tate）等绘画中，透纳在现实的视角和主题中很自然地寄托了田园牧歌式的怀旧情绪。
透纳年的油画《汤姆森的风弦琴》
实际上，透纳所专注的河岸风光早就引起了人们的怀古幽思，整个18世纪一直都有诗人墨客在赋诗兴咏。《汤姆森的风弦琴》（Thomson’sAeolianHarp）是透纳所作最有洛兰绘画神韵的作品，由里士满山鸟瞰泰晤士河特威肯翰河段（Twickenham），并引用了两位诗人的作品。这两位诗人是亚历山大·蒲柏（AlexanderPope，~）和詹姆斯·汤姆森（JamesThomson，~），都曾寓居此地。在早期的一些画展中，透纳在皇家美术学院的展览目录中为自己的作品添上了摘引自文学作品的标题，其中许多来自汤姆森的诗作。有时，他也会加上自己写的诗句，从而使作品意义更为丰富，就像这幅创作于年的《汤姆森的风弦琴》。此后的40年中，他一直沿用这一方法，只是引用最多的诗人变成了拜伦（LordByron，~），偶尔也会从自己正在创作但一直没有发表的史诗《希望的谬误》（‘TheFallaciesofHope’）中引摘诗句。[20]如此强烈地寻找一种辅助的表达手段，以弥补单纯的视觉表达，很值得